Maîtriser le pouvoir des expressions faciales

Car les expressions faciales captent l’attention de celui qui regarde. Elles ajoutent, avec cette touche d’humanité, de la vie au mouvement.

Le public, consciemment ou non, souhaite lui aussi ressentir à travers le danseur. Les expressions faciales vont aider à communiquer et à créer cette connexion entre le danseur et son public. Elles vont aussi apporter de la clarté et de la profondeur sur l’émotion qui est retranscrite.

Un mouvement bien exécuté semblera impressionnant, mais y mêler les atouts communicants de notre visage le rendra puissant.

L’un des meilleurs moyens d’associer vos expressions faciales à vos mouvements, est de refléter la couleur de la musique sur laquelle vous dansez. La musique plante le décor de votre danse et vos expressions sont là pour améliorer ce sentiment.

Quitte à les utiliser, vos expressions faciales doivent être les plus fidèles que possibles à l’énergie véhiculée par la musique.

On est d’accord que si Kendrick vous sort : “Why you trollin’ like a b*tch? ? Ain’t you tired?”, parer votre visage d’un sourire abondant excitation et bonheur sera quelque peu dissonant, n’est-ce pas ?

Ainsi, prenez le temps de comprendre et d’identifier la musique que vous souhaitez chorégraphier ou sur laquelle vous vous apprêtez à danser. 

Astuce dans le cas d’un cours chorégraphique : 

Il est clair que si vous êtes sur le point de prendre un cours, vous ne pourrez faire cette étape de préparation de compréhension musicale.

Par contre, si vous ne comprenez pas la musique, les paroles ou même l’émotion amenées par la chorégraphie qui vous est proposée, n’hésitez pas à poser la question au chorégraphe (fun fact: si vous êtes timide, c’est l’occasion parfaite d’exercer votre souveraineté, croyez-moi, vous serez fier d’avoir osé). En incluant l’univers émotionnel dans lequel la chorégraphie a été créée, cela vous permettra aussi de vivre autrement la phase d’apprentissage.

Lorsque je parle d’expression faciale, je fais également un focus sur l’importance du contact visuel du danseur avec son public. Nos yeux, bien plus qu’un simple organe sensoriel, sont le premier moyen que nous avons eu pour découvrir et interagir avec le monde qui nous entoure. 

“Miroir de l’âme”, les yeux, depuis bien des siècles, sont considérés comme étant des fenêtres qui ouvrent vers notre « moi intérieur ». Bien qu’il soit plus aisé de dissimuler par le mouvement, le regard révèle nos sentiments, émotions et pensées les plus profondes…

Combien de fois avez-vous apprécié regarder un danseur, tout en étant intrigué de ne jamais le voir lever les yeux sur son public ?

Combien de fois vous est-il arrivés de baisser le regard et de rompre la connexion établie ? Par peur de laisser votre mental prendre le dessus sur l’instant, par peur du jugement ou même par crainte de perdre le contrôle à l’issue d’un eye contact intrusif. 

A contrario, combien de fois vous êtes-vous sentis aussi ancrés et présent dans ce que vous partagiez, à cet instant même où vous avez levé les yeux ?

Warning guys ! Je ne suis pas en train de dire que vous devez rechercher à tout prix le regard du public. Le but ici n’est pas de trouver une béquille en concentrant toute votre attention sur une ou deux personnes, ou même de créer une gêne par insistance.

Non, il est question ici de soutenir votre regard et de le projeter.

Un simple regard suffit à susciter de la joie, de la tristesse, de l’envie ou même du doute.

Imaginez juste un seul instant ce qui se passerait si vous maîtrisiez cette arme fatale et que vous l’incluiez à votre danse ? De quoi donner un coup de boost à votre présence scénique !

Une fois que vous vous êtes mis dans un personnage ou une émotion, vous aurez besoin de maintenir votre univers tout le long de la performance. 

Soyez conscients des transitions qui opèrent. Tout comme pour le mouvement, la fluidité dans le changement de vos expressions garde le public immergé dans votre narration. Un changement brutal pourrait perturber le flux de votre danse et sortir le public du voyage. 

En d’autres termes, si vous vous trompez dans la chorégraphie ou si vous freestylez et que votre ressenti ne reflète pas ce que vous aviez en tête au moment T, surtout, gardez-vous de grimacer, de montrer de la frustration ou de l’embarras. Partez du constat que le public (et même votre chorégraphe s’il fait partie du public) ne sait pas ce que vous allez présenter.  

Ouiiii, je sais que ce n’est pas chose facile, mais personne ici n’a parlé de talent inné. Tout est question de préparation, d’entraînement et de patience. Voici quelques outils qui vous permettront d’améliorer vos expressions faciales dans votre danse.

Le miroir est un outil d’ajustement qui pourra vous permettre de moduler et trouver le bon équilibre à vos expressions.

Prenez-le réellement comme un jeu. Avec ou sans accessoires, maquillage, ou même nu quoi ! Mettez-vous à l’aise.

Vous pouvez ainsi vous amuser à exprimer une émotion que vous aurez choisie et moduler sur sa subtilité d’interprétation ou son exagération.

Vous pouvez ensuite reprendre l’exercice cette fois-ci en musique. L’idée ici est que l’émotion choisie colle sincèrement avec la musique. N’hésitez pas à chercher, à comprendre le décor émotionnel du morceau que vous aurez sélectionnée, afin que vos émotions soient les plus authentiques, naturelles et fidèles possibles. 

P.S: Si vous ne voyez toujours pas à quoi je fais référence, je vous invite à relire autant de fois que nécessaire le premier point de la partie précédente :  ne faites qu’un avec la musique.

Dernière étape : vous pouvez aller directement dans l’interprétation en alliant votre danse à vos expressions. 

Le miroir peut-être une première étape pour vous aider à vous corriger, tout en renforçant votre assurance, car vous avez une vue constante et autocritique de vos faits et gestes.

Toutefois, utiliser votre caméra, en excluant tout ce qui est reflet et miroir (ça vaut aussi pour vous qui fréquentez souvent la BNF (coucou les parisiens!)), vous permet de passer directement au niveau supérieur. 

Ainsi, vous devrez totalement faire confiance à vos pratiques et plonger directement dans le ressenti. 

Faites de votre caméra le regard du public. Jouez avec elle. Reprenez les exercices précédents (libre à vous de vous vêtir ou non), sans puis avec musique, et enfin exprimez-vous pleinement.

Aidez-vous du film pour analyser votre performance. Analysez les points que vous pouvez améliorer et vérifiez s’il y a des habitudes inconscientes qui brouillent vos expressions (comme le sourire figé ou le regard dans le vide).

Tout peut être une source d’inspiration à vos expressions faciales. 

Regarder des vidéos de d’autres danseurs peut être formateur. Prenez le temps de noter ces moments où ils intègrent leurs expressions à leur performance.

Pour aller plus loin, réapprenez à regarder les films, les pièces de théâtre et notifiez ces moments de pure émotion ; comment celles-ci sont amplifiées et ce qui fait qu’une scène ou une séquence vous touchera plus qu’une autre.

Les dessins animés (ou les animes pour les otakus) peuvent également être de vraies sources d’inspiration dans la mesure où les expressions faciales sont plus claires et perceptibles.

Apprendre à maîtriser les expressions de votre visage dans votre danse est un atout qui peut vous permettre d’élever votre performance à une étape supérieure, en la rendant plus séduisante, marquante et unique. J’espère qu’avec ces outils, vous ne passerez plus à côté de cette énième ressource qu’offre cet instrument omnipotent qu’est notre corps.

Vibrez, ressentez, dansez.